89 – HUNKY DORY

Hunky Dory

Cantor: David Bowie

Gravação: Abril de 1971

Lançamento: 17 de Dezembro de 1971

Duração: 39:04

Produção: Ken Scott (assistido pelo ator)

Sobre o disco:

Em 16 de junho de 1972 chegava as lojas um disco que logo arrebataria legiões de fãs e transformaria seu autor numa verdadeira lenda: The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars tornou-se um daqueles discos que mudariam para sempre o cenário musical como um todo e não apenas do rock. Mas essa é uma história para ser contada bem lá na frente (mas põe um bem lá na frente mesmo) dessa lista. Seis meses antes da saga de Ziggy, seu intérprete, um certo David Bowie, já era um nome comentado por conta do lançamento de uma pequena obra prima chamada Hunky Dory.

Vindo de relativos fracassos comerciais com seus três primeiros trabalhos, Bowie procurava por algo que pudesse lhe mostrar um caminho a seguir sem seus próximos discos. Vivendo um momento peculiar de sua carreira, sem contrato com nenhuma gravadora e com a esposa a espera do primeiro filho do casal, Bowie também se via tentando entender o que ocorria no cenário roqueiro de sua época. A década de 1970 começara com a notícia do fim dos Beatles, banda símbolo de uma era, o que deixou uma geração de fãs do rock (e não apenas do quarteto) com um gosto amargo e repletos de incerteza com a década que se iniciava. Bowie identificou-se com essa vontade de se encontrar do público jovem e tornou-a em força motriz para as novas composições procurando estabelecer um diálogo com a vontade de se encontrar daquela geração.

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Bowie durante as gravações em foto da Rolling Stones

Aqui reside, em minha opinião, uma das facetas mais interessantes da grande genialidade de Bowie, quando ele pega suas dúvidas quanto a que caminho seguir e as transforma no próprio caminho a seguir. E percebemos isso já na faixa inicial, mais do que apropriadamente chamada “Changes”, uma belíssima canção que versa sobre a capacidade e importância da constante reinvenção, especialmente a artística. Nada mais que o primeiro indício concreto do que viria a ser a grande marca do artista.

Complementando a instigante letra, “Changes” possuía também um instrumental e arranjos igualmente fantásticos, trazendo o próprio Bowie no Saxofone – no que é inclusive encarado como um dos seus grandes momentos nesse instrumento –, além de Mick Ronson na condução dos arranjos dos instrumentos de cordas e ninguém menos que Rick Wakeman no piano. A união de letras inteligentes e belos arranjos é, aliás, a grande marca de Hunky Dory, mas ela atinge o seu ápice naquela que considero a mais bela canção já gravada pelo artista e uma das mais belas canções de toda a história do rock: “Life on Mars?”

A BBC Radio 2 chamou essa canção de “mistura de um musical da Broadway com uma pintura de Salvador Dalí”. Não sem razão, pois a canção é repleta de frases e imagens surreais, que, segundo o autor trata-se de “Uma sensitiva reação de uma jovem garota diante da mídia” que, complementa, “se encontra decepcionada com a realidade … que, apesar de ela viver no marasmo da realidade, dizem a ela que há uma vida muito melhor em algum lugar, e ela está desapontada com o fato de não ter acesso a esse lugar.” Tudo isso embalado numa das mais belas melodias não apenas desse álbum, mas de toda a riquíssima carreira de Bowie.

O álbum ainda trazia outras composições brilhantes, a exemplo da dobradinha “Oh! You Pretty Things” e “Eight Line Poem” ou ainda da deliciosa “Kooks”, dona de um ritmo tão contagioso, que, quando demos por nós, já estamos cantarolando a canção com um sorrisinho nos lábios. Exemplo perfeito de canção chiclete que não enjoa, ao contrário, quanto mais ouvimos mais queremos ouvir. Do lado mais “hard rock” por assim dizer do disco temos “Quicksand” e “Queen Bitch”.

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Bowie em sua persona Ziggy Stardust com a banda Spiders From Mars

Chamada pela Melody Maker de “o pedaço mais inventivo de composições a ter aparecido num disco num período considerável de tempo”, o disco só pode ser lançado depois que a  RCA Records em Nova Iorque teve acesso a algumas demos já gravadas. Impressionada com a qualidade do material foi proposto um acordo para a produção de três álbuns, sendo Hunky Dory o primeiro deles. Embora tenha recebido críticas favoráveis e contado com uma boa vendagem em seu lançamento, ele não foi um sucesso imediato. Somente após o lançamento do álbum posterior, onde Bowie assumia a persona de Ziggy Stardust na obra-prima The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que o sucesso comercial desse disco não só promoveu o personagem do alien andrógino, como ajudou a catapultar as vendas de Hunky Dory.

Inegavelmente um dos grandes clássicos de David Bowie, esse é o álbum considerado o mais importante de sua carreira. Não apenas pela qualidade rara, mas também por ser o pontapé inicial na carreira repleta de sucessos e marcada pela constante reinvenção de um dos artistas mais irrequietos. Nas palavras do próprio Bowie em entrevista no ano de 1997: “Hunky Dory me deu um engrandecimento fabuloso. Acho que me proveu, pela primeira vez na vida, um verdadeiro público – quero dizer, pessoas realmente vindo até mim e dizendo, ‘Bom álbum, boas músicas’. Isso não tinha acontecido comigo antes. Era assim, ‘Ah, estou captando, estou entendendo, estou começando a comunicar o que quero fazer. Agora: o que é que quero fazer?’ Havia sempre um azar duplo lá.”

Finalizando, não há como falar de Hunky Dory sem citar sua bela capa. Inspirada em um livro de fotos da estrela Marlene Dietrich, levada pelo artista para a sessão de fotos, e investe pesadamente na androginia que seria uma de suas marcas registradas mais marcantes por bastante tempo.

Com sua riqueza melodiosa de estilos e temas Hunky Dory é uma belíssima e encantadora mostra da capacidade de Bowie se reinventar, num trabalho que, se ainda não é gênio inovador de futuros trabalhos, já demonstra com vigor o que estava por vir nessa sua primeira de muitas aparições nessa lista.

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90 – AUTOMATIC

Automatic

Banda: The Jesus and Mary Chain

Integrantes: Jim Reid (vocais, guitarra, sintetizador, programação de baterias) e William Reid (vocais, guitarra, sintetizador, programação de baterias).

Gravação: 1989

Lançamento: 9 de outubro de 1989

Duração: 43m26s

Produção: Alan Moulder

Sobre o disco:

The Jesus and Mary Chain é uma das bandas mais interessantes a surgirem nos anos 80. Misturando as influências que iam de Velvet Underground a Beach Boys, passando por The Stooges e uma inconfundível atitude punk rock, os irmãos William e Jim Reid assombraram o mundo da música a partir de 1984 com o lançamento de inúmeros singles de sucesso como “Upside Down”, culminando com o lançamento do clássico inegável Psychocandy um ano depois.

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Os irmãos Reid

A recepção positiva desse disco por parte do público foi acompanhada pela crítica que logo tratou de marcar que os irmãos Reid tinham “reinventado o punk rock”. O impacto desse primeiro álbum é sentido até hoje com inúmeras bandas repetindo sua fórmula, nem sempre com os mesmos resultados, infelizmente. Com o sucesso banda começou então a excursionar pela Europa e também pelos Estados Unidos. Seus shows ficaram famosos por terem no máximo 35 minutos de duração onde reinava o caos, com os músicos vestidos totalmente de preto tocando de costas para o público na maior parte do tempo. Com os irmãos Reid subindo nos palcos invariavelmente bêbados e drogados era comum os shows terminarem com brigas entre eles. Músicos entravam e saíam constantemente e assim o grupo continuou até 1989 quando lançam seu terceiro trabalho, Automatic.

Apesar de seus últimos álbuns serem considerados por muitos como alguns dos melhores discos de estreia de uma banda de rock, o que pode ser visto nas relativamente boas vendas, Automatic não teve uma recepção positiva nem dos críticos e menos ainda dos público. Com uma sonoridade diferente dos trabalhos anteriores, mais eletrônico (um tanto devido ao uso de baterias eletrônicas e outro muito por conta do novo produtor, Alan Moulder, que reduziu significativamente as distorções características da banda), o disco revelou um The Jesus and Mary Chain bem menos inspirado. Com altos e baixos Automatic, apesar das boas faixas “Head On” e “Blues From a Gun”, era apenas uma sombra do que os Reid eram capazes de fazer.

Sendo assim, é muito natural nos perguntarmos: “Se Automatic não é essa maravilha toda, que diabos então esse disco está fazendo nessa lista?” Bem, a resposta mais sincera de minha parte é um enfático “não faço a menor ideia!”

Quando analisamos a lista completa de discos nessa lista fica fácil perceber os critérios utilizados por seus autores para escolher cada um. São álbuns que, de um modo ou de outro, mudaram a face do rock e, em alguns casos, da música como um todo (a exemplo de Nevermind ou Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, respectivamente). Trabalhos que, não apenas foram, mas ainda hoje são capazes de influenciar novos trabalhos e novos artistas (qualquer um dos discos de David Bowie). Obras que, ainda que tivessem sido um fracasso total quando lançados, acabaram tempos depois sendo reconhecidos como verdadeiras obras primas (melhor exemplo que vem à mente é Funhouse do The Stooges). E Automatic não é nada disso.

Sendo bem pragmático, mesmo quando analisado sem ter em mente o potencial das mesmas mentes criadoras de Psychocandy – esse sim um clássico incontestável – e Darklands (o segundo e muito bom álbum da dupla), esse é um disco apenas regular. The Jesus and Mary Chain é uma da grandes bandas a surgirem, mas definitivamente considero bastante equivocada a presença de Automatic nessa lista. Nada contra o álbum em si, que é até bem legalzinho, porém um tanto irregular, além de pouco inspirado e com certas incongruências. Primeiro: ele não me parece honrar o som feito pelo Jesus and Mary; segundo: as limitações de se usar uma bateria eletrônica e até mesmo algumas linhas do baixo feitas com o sintetizador; terceiro: tanto a crítica quanto o público não receberam bem esse álbum, sendo ainda hoje considerado um trabalho menor do grupo. Se os autores da lista queriam tanto colocar um outro trabalho dos caras aqui – além de Psychocandy –, que ao menos fosse em 100º, fechando a fila. Ou, melhor ainda, que pusessem em seu lugar Darklands, um álbum, se não emblemático, ao menos com uma melhor recepção tanto de crítica quanto de público.

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91 – DOG MAN STAR

Suede Dog Man Star

Dog Man Star – Suede

Banda: Suede

Integrantes: Brett Anderson (vocais), Bernard Butler (guitarras), Simon Gilbert (bateria) e Mat Osman (contrabaixo).

Gravação: 22 Março a 26 Julho de 1994 no Master Rock Studios em Londres

Lançamento: 10 de Outubro de 1994

Duração: 57m50s

Produção: Ed Buller

Sobre o disco:

Em meados dos anos 90 o que fazia a cabeça da garotada que curtia rock era o movimento grunge. Isso nos EUA, pois do outro lado do Atlântico, nas terras de Sua Majestade, o sucesso atendia pelo nome de Britpop. Pulp, The Verve, Supergrass, Elastica, Sleeper, Blur e Oasis faziam um contraponto, em teoria, mais cabeça ao som que vinha da antiga colônia.

Sob a inspiração de bandas do quilate de The Smiths e, um pouco mais indiretamente, do glam rock de David Bowie, o Suede se destacava das demais graças as letras dúbias (de onde se origina o nome da banda, uma gíria londrina para dúbio) e um tanto ácidas do também vocalista Brett Anderson e da qualidade do guitarrista Bernard Butler, os grandes destaques e fundadores da banda. Depois de vários singles e de uma estreia de sucesso a mídia britânica exaltava o grupo e alçava Brett Anderson ao cargo de “salvador do orgulho britânico” frente à invasão do grunge.

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Todo esse sucesso e aceitação da crítica no entanto não livraram o Suede de enfrentar uma dura crise interna. Apesar de serem os fundadores da banda, Anderson e Butler não se entendiam, brigando e discutindo constantemente. Para completar os excessos com drogas e a polêmica ao redor do clip do single avulso “Stay Together” elevou as tensões ao máximo. Ao mesmo tempo que o britpop estourava revelando Oasis, Blur e outros, o Suede parecia fadado ao fim.

Com tudo isso em mente, Anderson se trancou numa mansão de onde só saiu após o consumo intenso de drogas e ter escrito todas as letras do álbum que viria a se tornar Dog Man Star. Renegando veementemente os títulos de salvador do que quer fosse atribuído pela mídia, o letrista deixou transparecer esse inconformismo nas letras ambientadas justamente no, digamos assim, território “inimigo”: os EUA, mais precisamente a Hollywood entre os anos 40 e 50. Glamour, decadência, cinismo, temas sombrios, tudo encaixado a perfeição nas letras dúbias.

Infelizmente toda qualidade e beleza soturna do material não impediu que as rusgas entre Anderson e Butler continuassem e mesmo se intensificassem quando a banda se reuniu para as gravações. Com pouco mais de um mês de gravações Butler não aguentou e saiu do grupo deixando a canção “The Power” inacabada, levando Anderson a gravar a guitarra nessa canção, embora os créditos de todas as guitarras do disco sejam dados a Butler.

A saída prematura de Butler não impediu um trabalho inspirado, entregando algumas das guitarras mais lindas não só do grupo, como de, provavelmente, todo o britpop, fazendo jus ao título de melhor guitarrista britânico desde Johhny Marr, também dado pela mídia britânica. O casamento entre o instrumental – com Gilbert e Osman fazendo bonito frente aos colegas mais talentosos – e as letras carregadas de androginia, cinismo, sarcasmo e ambiguidade seria ainda abrilhantado pelos lindos e competentes vocais de Anderson fazendo de Dog Man Star se não um dos melhores, muito provavelmente o mais interessante do movimento. Isso mesmo a despeito do desprezo de Anderson para com toda a vibe da mídia com o britpop.

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Assim que foi lançado a mídia especializada como era de se esperar rasgou elogios para o trabalho. Mas verdade seja dita, nada do que foi dito sobre esse disco foi exagerado ou imerecido. Trabalho primoroso cheio de belíssimas canções que entregam a perfeição todo um clima lúgubre, decadente e introspectivo, cheio de melancólicas reflexões a respeito das inquietações de Anderson, alcançando o ápice em “The Asphalt World”, um dos mais lindos e comoventes do disco.

Mas, se a crítica amou, o mesmo não aconteceu com o público que, ainda tendo em mente o álbum de estreia, estranhou a atmosfera sombria do disco dando a ele uma recepção morna, se comparada ao anterior. Mesmo assim teve uma vendagem razoável e hoje é indiscutivelmente considerado uma pequena obra-prima.

Com Dog Man Star, o Suede, esses filhos não tão bastardos de David Bowie e de Morrissey e seu The Smiths, conseguiu a proeza de reverenciar suas influências e ainda assim fazer um som próprio com identidade. São um ótimo contraponto aos irmãos Gallagher do Oasis no que se refere ao cenário do britpop. Um álbum sólido, com qualidade inquestionável e ótima sonoridade, definitivamente o melhor do Suede.

A seguir você pode conferir a minha música preferida do álbum:

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5 CANAIS DO YOUTUBE QUE SIGO E RECOMENDO

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No inicio do ano fiz uma postagem sobre cinco blogs que acompanho e recomendo. Já naquele post avisava sobre minha vontade de escrever, pelo menos, mais dois textos similares. Hoje, finalmente começo a pagar essa dívida.

Desde que descobri o Youtube, ele serviu principalmente como o lugar onde eu procurava videoclipes antigos, matava a saudade de algum desenho animado ou catava algum vídeo interessante para dar aquela animada nas minhas aulas de Geografia ou ainda nos temidos seminários na universidade. Até porque o próprio site ainda estava muito no começo e nem tinha tanto material assim, fosse ele interessante ou não.

Obviamente tudo isso mudaria com a compra do site pela gigante Skynet, digo, Google. Ganhando mais diversidade, o site cresceu não só na quantidade de vídeos postados, mas também em variedade, se tornando de fato uma versão em áudio e vídeo da internet tradicional. A especialização de determinados canais foi fundamental nesse quesito, ainda trazendo muito material bobinho e entretenimento passageiro e casual, mas com cada vez mais conteúdo interessante e instrutivo. Começava-se a descobrir o potencial do Youtube para os criadores de conteúdo.

De tutoriais sobre como consertar coisas e fazer maquiagens às dicas de moda, chegando aos canais de humor, cultura nerd e games, o Youtube hoje segue o exemplo de sua empresa mãe ao apresentar conteúdo sobre virtualmente qualquer coisa ou qualquer assunto. E assim como no caso dos blogs, tem muita coisa ruim e potencialmente perigosa, mas também tem muita coisa boa. Assim, procurei listar alguns desses canais que prezam por ser instrutivos e acessíveis, falando de ciências, história, música, audiovisual com uma qualidade técnica e um incrível conhecimento de causa.

Boa leitura!

1-Nerdologia

Nerdologia

“Sejam bem vindos ao Nerdologia”. Inicialmente um quadro do NerdOffice, no Jovem Nerd, é apresentado pelo Átila Iamarino, biólogo, pesquisador e trata de assuntos e temas científicos variados, sempre fazendo links com elementos da cultura nerd, com novos vídeos todas as quintas. A partir de 2016 o canal passou a contar com o segmento Nerdologia História, indo ao ar todas as terças, apresentado pelo Felipe Figueiredo, formado em História, colunista, podcaster, youtuber e professor, seguindo a mesma linha do programa original, mas com temas voltados para a história, além de um segmento voltado para tecnologia, o Nerdologia Tech, toda última quarta-feira de cada mês. É o canal mais conhecido da lista e um dos maiores do Brasil em se tratando de conteúdo científico e educativo com mais de um milhão de inscritos. Já o acompanho há muito tempo – sendo um dos primeiros canais no qual me inscreve no Youtube –, mantendo sempre a qualidade na maneira como trata dos assuntos, não raro melhorando até, como quando passou a inserir no final de cada vídeo um momento para responder comentários de vídeos anteriores ou corrigir alguma informação veiculada de maneira equivocada. Com quase 300 vídeos postados, é o canal que mais fortemente recomendo para você assinar e assistir.

2-Poligonautas

Poligonautas

“SCALOBALOBA!” Iniciando com o seu famoso bordão (retirado do que se acreditava ser o refrão da canção Boombastic, sucesso dos anos 90), o Schwarza apresenta o canal Poligonautas, que, no seu início, em parceria com o OOataHeLL, falava mais sobre o universo gamer. Atualmente, no entanto, se dedica a falar sobre ciência e filosofia com destaque especial aos temas relacionados à astronomia, tendo agora apenas o Schwarza a frente, com vídeos de segunda a sexta. Além de se dedicar na divulgação científica, o grande mérito do canal é o de desmitificar lendas e teorias conspiratórias populares na internet, através de explicações cientificas cheias de bom humor e muita clareza no segmento “Lenda ou Fato”. Você acredita em Nibiru, que a Terra é plana ou em aliens vivendo dentro do Sol? Então é melhor dá uma olhada no canal para entender porque tudo isso é conto da carochinha. Igualmente interessantes são os vídeos do segmento “5 Vídeos Sobre Ciência” que, como o próprio nome entrega, traz cinco breves vídeos atuais ou curiosos sobre ciência, sempre encerrando com uma análise mais filosófica, em geral com base em alguma imagem do espaço profundo capturada pelo telescópio espacial Hubble. É o canal que mais assisto, não só por ser praticamente diário, mas também pelo formato curto dos vídeos, quase nunca com mais de cinco minutos.

3-Ponto em Comum

Ponto em Comum

“Olá, criaturas da internet!” Apresentado pelo simpático Davi Calasans, o Ponto em Comum se destaca por tratar dos mais variados assuntos científicos com uma leveza e simplicidade sensacionais, contando sempre com a ajuda dos Hugobertos (talvez sejam parentes meus distantes) e dos comentários sempre pertinentes (sqn) de Miguel, o Tiranossauro. O canal tem uma pegada bem ao estilo do programa O Mundo de Beakman, tanto pelo visual como na maneira lúdica e descontraída de apresentar e explicar os temas de cada terça-feira. O próprio Miguel seria o equivalente ao rato Lester com suas observações baseadas no senso comum. Com toda essa leveza o canal é excelente para ser assistido por pessoas de qualquer faixa etária, sendo perfeito para uso em escolas.

4-República do KazaGastão – KZG

KazaGastão

Com o fim da MTV Brasil muitos de seus apresentadores e programas migram para o Youtube a exemplo do João Gordo e do grupo Hermes e Renato. Famoso por manter a pegada Rock’n’Roll na emissora com os programas Gás Total e Fúria Metal, o apresentador Gastão Moreira seguiu o mesmo caminho com a República do KazaGastão (apesar de ter saído da MTV em 1998 para apresentar o Musikaos na TV Cultura), apresentando vídeos com antigas entrevistas e reportagens não apenas da época de MTV, como atuais também, além do segmento que considero a melhor coisa do canal: o “Heavy Lero” contando com a presença de Clemente Nascimento, baixista da banda paulista de punk Inocentes. Nesse segmento, a dupla apresenta breves resumos de bandas, artistas e cenas musicais de maneira descontraída, mas com bastante propriedade e cheia de informações interessantes. O imenso conhecimento musical do Gastão ajuda a tornar o canal um dos melhores e mais informativos sobre música do Youtube. “Sensacional, Clemente!”

5-Entre Planos

Entre Planos

Sou fã de cinema desde muito pequeno. Mas depois de adolescente, comecei a me interessar pelos aspectos técnicos da sétima arte, a partir do meu interesse por fotografia. Desde então, sempre que tenho oportunidade, faço questão de consumir tudo sobre o tema. E foi assim que descobri o canal do Max Valarezo, um jovem estudante de Comunicação Social com um conhecimento invejável tanto sobre os aspectos técnicos como sobre a história do cinema. Aliás, conhecimentos esses muito bem utilizados nos vídeos postados. Apesar de todos os vídeos aqui listados serem impecáveis do ponto de vista técnico, considero o EntrePlanos, junto com o Nerdologia, o mais profissional de todos. E mesmo conhecendo o canal há pouco menos de dois meses já é um dos meus preferidos muito devido a essa qualidade. “Então é isso”: graças ao canal pude aprender de maneira muito didática vários conceitos, aspectos e técnicas cinematográficas, algumas delas eu até já conhecia, mas em artigos extremamente técnicos e complicados de se entender.

*  *  *

Assim como no caso dos blogs esses são apenas alguns dos canais que eu curto. No caso os que acompanho verdadeiramente. Existem outros ainda que são tão bons quanto mais que, por um motivo ou outro não tenho como acompanhar tão de perto. Esses deixarei para uma próxima postagem.

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Até mais!

92 – JOURNEY TO THE CENTRE OF THE EARTH

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Journey To The Centre Of The Earth – Rick Wakeman

Artista: Rick Wakeman

Músicos Integrantes: Rick Wakeman (sintetizadores e teclados); Gary Pickford-Hopkins e Ashley Holt (vocais); David Hemmings (narrador); Mike Egan (guitarras); Roger Newell (baixo); Barney James (bateria); The London Symphony Orchestra; The English Chamber Choir; David Measham (maestro e condutor); Wil Malone e Danny Beckerman (arranjos para orquestra e coro)

Gravação: Royal Festival Hall, Londres, Inglaterra, 18 de janeiro de 1974

Lançamento: 18 de maio de 1974

Duração: 40m09s

Arranjos: Danny Beckerman e Wil Malone

Produção: David Hemmings

Sobre o disco:

Noite de 18 de janeiro de 1974. Na plateia do Royal Festival Hall de Londres o público ruidoso observava com certa curiosidade a Orquestra Sinfônica de Londres e o Coral de Câmara Inglês lado a lado com uma moderna banda com guitarras, baixos elétricos e bateria. No centro do palco, ao lado do maestro, um impressionante conjunto de teclados e sintetizadores parecia também aguardar. Havia uma certa expectativa dúbia no ar sobre o que sairia daquela mistura inusitada entre música clássica, rock progressivo e literatura.

De repente o burburinho muda de tom, parece ceder um pouco. É que entrou no palco a nada discreta figura de Rick Wakeman, os seus longos cabelos loiros caídos por cima da capa prateada que chega aos pés. Após agradecer com um breve galanteio os aplausos costumeiros, Wakeman assume seu lugar ao centro dos teclados. Seguindo a programação impressa num bem acabado livro entregue a todos na plateia, são executadas as peças “Sinfonia Nº 1 in D Minor – Opus 13”, de Rachmaninov, seguido pelas peças de autoria do próprio Wakeman (de seu disco solo anterior The Six Wives of Henry VIII) “Catherine Parr”, “Catherine Howard”, “Anne Boleyn” e dois improvisos, tem início a peça principal: The Journey To The Centre Of The Earth!

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Rick Wakeman e seu nada discreto modo de se vestir. Imagem do Daily Mail

Conhecido pela megalomania e por ser um dos egos mais inflados do rock (ou mesmo da música), Wakeman começou a idealizar o que viria a se tornar The Journey, após o Yes, banda na qual entrara em 1971 e ajudara na evolução de sua sonoridade, lançar em 1973 a obra Tales From Topographic Oceans. Praticamente uma obra exclusiva das mentes criativas de Steve Howe e Jon Anderson (respectivamente guitarrista e vocalista do Yes), a crítica se derretia em elogios aos dois, enquanto Wakeman se sentia preterido na banda. Mas, tendo uma boa recepção de seu trabalho solo, lançado também em 1973, The Six Wives of Henry VII, o talentoso tecladista de formação clássica começou a rascunhar um material ambicioso. Seu objetivo: mostrar que os elogios recebidos no trabalho solo não eram a toa e provar todo seu talento, muito maior que todo o Yes. Traduzindo: Wakeman queria uma mega massagem no seu já enorme ego ao mesmo tempo em que dava uma resposta aos seus colegas músicos!

A ideia original apresentada à gravadora era a de um disco duplo com uma única canção contando a história do clássico do autor francês Júlio Verne. A obra contaria com a participação de um coral e orquestra e o disco ainda traria um luxuoso livreto contendo gravuras e a letra da canção. No entanto a ideia foi vetada de cara, pois seu custo seria exorbitante. Depois de algumas idas e vindas, o projeto foi aprovado desde que fosse reduzido a um disco simples e com a gravação ocorrendo ao vivo, com a venda de ingressos para ajudar a pagar os custos, além de diminuir as horas de estúdio.

A apresentação foi um grande sucesso e Wakeman voltou às exigências: agora, além de novamente pedir novamente o livro de ilustrações, ele queria o disco lançado na forma quadrifônica. Como se não fosse o bastante passou a cogitar a hipóteses de excursionar levando todo o complexo conjunto de músicos envolvidos no projeto, algo extremamente caro e, obviamente vetado pela gravadora. Por essa época, Wakeman já tinha ganho um bom dinheiro com a turnê bem sucedida do disco Tales From Topographic Oceans ainda com o Yes. Encerrada a turnê, ele sai da banda e concentra todos os seus esforços no disco. Depois de apelar para o braço norte-americano da gravadora, Journey To The Centre Of The Earth foi lançado em maio de 1974 contendo apenas duas faixas no lado A (“Journey” e “Recolletion”) e duas no lado B (“The Battle” e “The Forrest”). Para alegria de Wakeman o disco acabou saindo em duas versões: uma de gravação normal e a outra na desejada forma quadrifônica, sendo essa última extremamente rara hoje em dia.

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Rick Wakeman em seu ambiente: cercado de teclados e sintetizadores

O sucesso da obra foi imediato alcançado o topo das paradas britânicas e norte-americanas vendendo ao todo até hoje mais de 14 milhões de cópias. Todo esse sucesso só serviu para alimentar a já bem nutrida megalomania de Wakeman, que passou a investir pesado na Journey Tour, iniciando pela América do Norte e passando pela Europa Ásia e Japão. Para se ter uma ideia da grandiosidade dessa turnê, em 1975 Journey foi apresentado em uma série de shows no Brasil, como parte do Projeto Aquarius promovido pelo O Globo. Para esse shows foram trazidos ao país cerca de 18 toneladas de equipamentos para os diversos e, até então, extraordinários efeitos sonoros e visuais, além de contar com uma equipe de 70 pessoas nos bastidores! Só a mesa de som utilizada trabalhava com 285 canais. O Maracanãzinho no Rio de Janeiro, o Ginásio da Portuguesa em São Paulo e o Gigantinho em Porto Alegre receberam cada qual mais de 50 mil expectadores.

Perfeccionista, Wakeman fazia questão de que seu público, independente de língua, pudesse ter uma apreciação plena da execução da obra. Assim sempre era contratado um narrador na língua local para as partes textuais. Orquestras locais também eram contratadas, pois ficaria ainda mais oneroso bancar os gastos de transporte, hospedagem de uma orquestra completa, mais os músicos da banda. No Brasil, os shows de São Paulo e Rio de Janeiro contaram com Orquestra Sinfônica Brasileira, enquanto no Rio Grande do Sul a Sinfônica de Porto Alegre foi a contratada, tendo sempre na regência o consagrado maestro Isaac Karabtchevsky, completados pelo Coral da Universidade Gama Filho.

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Durante o show no Maracanãzinho lotado em 1975. Imagem do O Globo

O Mago dos Teclados, como Wakeman é conhecido, lançou muita coisa boa depois de Journey, intercalando sua carreira em retornos ao Yes (lançando o excelente Going for the One em 1977) e trabalhos solos (com The Myths and Legends of KinG Arthur and the Knights of the Round Table de 1975, nos mesmos estilo de Journey, cuja turnê, ainda mais grandiosa, quase levou a gravadora a falência). Ainda assim, nenhum desses discos alcançou o sucesso alcançado aqui.

Journey To The Centre Of The Earth é dos discos que mais me surpreenderam positivamente nessa lista, sendo também um dos que mais escuto. Particularmente considero sua introdução uma das coisas mais bonitas que já ouvi na música. A ousadia do Mestre dos Teclados foi compensada com a excelência com que a obra é executada pelos competentes músicos, tanto os da The London Symphony Orchestra (como era de se esperar) como os de sua banda a English Rock Ensemble, refletida na excelente gravação ao vivo. O resultado é um dos discos mais interessantes, originais e bonitos da história do Rock, merecendo com honras sua nonagésima segunda posição.

Infelizmente não encontrei nenhum registro da apresentação original ocorrida em janeiro de 1974. Também achei muito difícil achar um bom vídeo mostrando Wakeman, banda, orquestra e narrador para ilustrar como deve ter sido aquela apresentação no Royal Festival Hall. No entanto acabei topando com esse vídeo abaixo de “The Battle”, que, apesar de estar sem data de quando ocorreu, claramente é bem próximo da data da execução original.

E quando já finalmente estava finalizando esse texto para sua publicação, acabei topando com essa gravação da parte inicial “Journey” em apresentação de 30 de março de 2014 no Royal Albert Hall. Embora seja amadora, a qualidade de som e imagem é excelente.

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Até mais!

MAIS 10 DOS MEUS CLIPES MUSICAIS PREFERIDOS

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Quando criei a primeira lista com meus clipes musicais preferidos, eu já estava a mais de um mês sem postar nada no blog. Preso na imensa papelada de documentos que o final de ano me traz de presente, estava também sem nenhuma perspectiva de conseguir finalizar algum texto a tempo de publicar até a virada do ano. Para não ficar tanto tempo sem postar nada, saquei uma ideia antiga da mente e listei dez dos meus clipes musicais preferidos.

Pensando em dar continuidade à lista – até porque me lembrei de vários outros clipes igualmente legais – fui anotando meus preferidos para essa continuação. Novamente destaco que essa lista não tem a pretensão de listar os melhores videoclipes da música. Apenas vou citando aqueles que mais me agradam por uma série de razões, entre elas, a capacidade de dialogar em algum grau comigo ou por questões puramente técnicas e estéticas.

No primeiro texto, aliás, boa parte dos clipes listados me encanta principalmente por seu apelo visual ou esmero técnico. O belo uso do plano fechado nos vídeos de “Survivor” de Clarice Falcão e, especialmente, em “Nothing Compares 2U” de Sinéad O’Connor, a edição simples, porém eficiente de “Single Ladies” de Beyoncé ou ainda a beleza estilizada de “Busca Vida” do Paralamas do Sucesso são exemplos perfeitos disso. Ainda assim sobrou espaço para o encantador (e totalmente datado) “Lost in Love” do Air Supply, e todo seu visual de gosto meio duvidoso (ou por causa dele mesmo). Na atual lista, apesar de termos belíssimos exemplos do uso das técnicas de edição, filmagem, fotografia etc., acabei citando muito mais exemplos de clipes de puro encantamento visual. Apesar de também serem tecnicamente impecáveis, foi pensando mais no impacto emocional causado por eles que procurei pautar as escolhas.

O resultado você confere abaixo:

Perfeição – Legião Urbana

A Legião Urbana gravou poucos clipes e, para falar a verdade, a maioria deles são bem ruinzinhos. Foi somente no último que a banda conseguiu acertar, entregando um vídeo muito bonito e com uma produção caprichada. Sendo esse o clipe da segunda melhor música do disco só contou a favor.

Losing My Religion – R.E.M.

Eu estava na seção das televisões de uma loja qualquer de eletrodomésticos, quando, começou a passar esse clipe quando o assisti pela primeira. Apesar de não poder ouvir a música fiquei encantado com a bela fotografia do vídeo e com a sua forte simbologia (e isso numa época em que eu sequer sabia o que era simbologia). Somente anos depois, quando já escutava o R.E.M. fui descobrir que uma das minhas canções preferidas do grupo tinha esse vídeo como clipe musical.

Don’t Go Away ­– Oasis

Foi justamente com “Don’t Go Away” que conheci o Oasis, isso quando eles já se achavam a última coca-cola gelada do deserto ao meio dia. O irmão beatlemaníaco de um amigo me emprestou uma fita VHS com o filme “Yellow Submarine” e uma miríade de videoclipes diversos, dentre eles o dessa canção, que, ao lado de “Stand by Me” é a única coisa que presta do disco Be Here Now. No entanto, as belas imagens evocando as obras de Rene Magritte (pintor que eu já começava a conhecer) me pegaram de jeito na madrugada chuvosa em que o assisti pela primeira vez. O clipe de “Wonderwall” com suas imagens em preto e branco é até mais bonito, mas “Don’t Go Away” ainda hoje é o meu preferido filmado pelos malas sem alça dos irmãos Gallagher.

Bad – Michael Jackson

No post anterior comentei sobre aquela época em que ficávamos aguardando o mais novo clip da rainha ou do rei do pop no fim do Fantástico. Falei do meu clipe preferido da Madonna, mas esqueci de falar daquele que deve ser o dono dos clipes mais legais da história da música: Michael Jackson. Apesar de “Thriller” ser o mais famoso, meu preferido sempre foi “Bad”, pois foi o primeiro que assisti, justamente no final do jornalístico dominical da Globo. Lembro até hoje da reação espontânea (e espantada) de minha mãe ao assistir o vídeo: “Oxi! Michael Jackson é branco agora?!”

Minha Alma (A Paz Que Não Quero) – O Rappa

Um grupo de crianças reunindo-se na periferia de alguma grande cidade marcam uma saída para se divertir. Logo em seguida ouve-se os primeiros versos: “A minha alma está armada/ e apontada para a cara do sossego.” Pronto! Bastou isso para me impressionar com esse que é um dos mais belos e contundentes clipes já filmados no Brasil. E isso logo na sua estreia na MTV. Poucas vezes crítica e reflexão social foram tão bem casadas entre texto e imagem.

Bitter Sweet Symphony – The Verve

A canção por si só já é meio hipnótica com aquela melodia se repetindo do começo ao fim. Junte a isso um vídeo onde o vocalista da banda se põe a cantar enquanto caminha por uma rua qualquer de Londres sem se preocupar em desviar das pessoas, chegando a derrubar algumas inclusive, tudo isso gravado em apenas dois planos contínuos e quase sem cortes. O resultado: um dos clipes mais hipnóticos e clássicos da música. Agora, se as pessoas com quem o cantor esbarra na rua são atores de fato ou não, isso eu já não faço a menor ideia.

One of Us – Joan Osborne

A primeira vez que escutei essa baladinha nada romântica foi na coletânea Rock Ballads lá no já distante ano de 1998. Logo de cara a melodia e a voz de Joan Osborne me encantaram. Aí fui traduzir a letra e encontrei uma série de reflexões sobre Deus e a humanidade que me deram muito sobre o que pensar. Somente muito depois fui conhecer o clipe que, com seu desfile de figuras tão exoticamente normais – além dos planos fechados no rosto de Joan, falando pelo lado técnico que mais me atrai nos clipes –, serviu para selar em definitivo meu encanto pela canção.

Hey Brother – Avicii

Para não dizer que só gosto de clipes antigos, me encantei com esse belo vídeo sobre os laços de amizade e fraternidade que surgem no contexto da vida de veteranos de guerra. No vídeo vemos a relação de companheirismo de dois amigos que, à medida que o vídeo se desenrola percebemos serem filhos de dois combatentes. A história não deixa muito claro, mas aparentemente esses soldados foram mortos em batalha (ou ao menos um deles) e as famílias se aproximaram em virtude dessa tragédia. Apesar de ser uma estratégia manjada apelar para o sentimento patriótico em relação aos veteranos e suas famílias (isso nos EUA), o resultado final ficou realmente muito bonito.

A Estrada – Cidade Negra

Apesar de gostar muito desse clipe, na minha opinião ele teria ficado muito melhor se tivesse apenas as cenas em animação do astronauta (ou alien?) na Lua intercaladas com as cenas das crianças brincando. Ter colocado as imagens dos integrantes da banda ficou meio desnecessário para não dizer que, as cenas deles jogando bola num cenário que se propõem a imitar a baixa gravidade lunar, ficaram bem bobas. Mesmo assim gosto bastante desse clipe pela combinação bem sacada entre a solidão do ambiente lunar com a temática da solidão ao se percorrer uma estrada particularmente longa e difícil.

Stop In the Name of Love – The Hollies

Assisti esse clipe pela primeira vez lá naquela mesma fita VHS de “Don’t Go Away”. Infelizmente o vídeo não trazia as informações técnicas da canção (naquele padrão que ficou famoso com a MTV). Assim, fiquei anos sem saber quem cantava ou mesmo o nome daquela canção que, ajudado pelas imagens do clip, parecia ser repúdio a intolerância belicista de uma iminente hecatombe nuclear. Já perdia minhas esperanças de descobrir mais informações sobre o vídeo, quando, para minha surpresa, escuto a mesma canção, porém numa versão diferente, no filme X-Men Dias de um Futuro Esquecido! O resto foi moleza: uma googleada na trilha sonora do filme bastou para descobrir o nome da canção. Outra googleada e descobri que a versão do filme era a original gravada pela banda The Supremes em 1965, enquanto a do clipe que me intrigou era uma regravação feita em 1983 pela banda The Hollies que, como já comentado pesou a mão na mensagem pacifista do vídeo, isso numa canção cuja letra era só mais a falar de amor e abandono. Embora o vídeo de 83 seja exagerado, piegas e até meio cafona e bobo, fica aqui sua menção por ter permanecido um mistério para mim por quase vinte anos.

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E vocês? Também curtem um bom vídeo clipe? Fiquem a vontade para comentar! Pode ser clipes carregado de simbolismo, filosóficos, políticos ou mesmo um mistério piegas e cafona de mais de 20 anos.